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Publication: Cambridge Music Festival
Date: January 12, 2026
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On 5 March, singer and actor Ute Lemper, with 8-piece band, brings to life Berlin’s cabaret scene of the 1930s. She told us about her early musical influences and what resonance the songs of Kurt Weill and others still has in 2026.

What music do you remember hearing as a small child?

In the 60s in Germany, we had a pretty bad cultural vacuum. My family listened to classical music, nothing much contemporary, and my father had a very good Jazz collection that had an impact on my musical ear and became a big inspiration.

Were your parents a big musical influence on you?

They both played several instruments, piano, violin, guitar, my mother sang opera.. music was very alive in our house.

Did you always want to sing and act as a career? Did you try any other jobs?
I started learning ballet at the age of 6, continued with modern dance, tap dance and piano. At the age of 15 I started to discover my voice and sang in a variety of Jazz bands. After high school I went to the Rheinhardt Seminar Art University in Vienna and then my path was set. I possibly could have imagined being an French and German literature teacher, but my journey continued in the Arts until today

Can you tell us why the cabaret songs of Weimar Germany appeal so much to you?
In the eighties I was on a mission to revive the music of Weimar, especially the music of Kurt Weill. I was a young German actress, living in West-Berlin, a divided city, surrounded by the Wall in the middle of the DDR. It was a time when Europe was still in the midst of cold war trauma and Weimar seemed simply a forgotten era that eventually facilitated through its political failures the pathway to Nazi Germany.

I had moved to Berlin in 1984 after studying and performing in Vienna, Austria and I felt that art was a lot more political in West-Berlin than in the rest of the world. The devastating face of history was written all over the walls, and my mind and heartbeat grew angrier and more rebellious. I studied the music of Weill and conceived my first concert dedicated uniquely to the composer. I wanted to tell his story to the people of my generation, and so I did, in jeans and a T-shirt, in little experimental theatres in the dark but feverish West-Berlin.

Kurt Weill’s story was exemplary as a revolutionary German Jewish composer during Weimar, then persecuted by the Nazis, thrown out of the country but able to pursue and create more fascinating compositions and collaborations in exile in a new world, of course with enormous sacrifice and pain.

When I started to rerecord with UNIVERSAL/DECCA the complex songbook of Kurt Weill and the Berlin Cabaret Songs, it initiated a wave of revival and the “Dance on the Volcano” of the 20s in Berlin was back in fashion and fascinated a wave of young performers and audiences in its progressivity and exotism. Being the protagonist of all these recordings was a great privilege that came with enormous responsibility. To be a German with an international career was still a complicated affair in those years. I was confronted with stereotypes and a strangely fascinated hostility based on the stigma of the German character and language. I felt sometimes that I had to carry the horrible Nazi history on my shoulders simply by carrying the German passport. The Holocaust inflicted unbearable pain on my soul, and I wished nothing more than to run away from Germany to bring the story of the Jewish composer Kurt Weill with me to fuel a dialogue about the past.

This is when the mission became heartfelt and I dedicated many years to travel the world to celebrate his music in recitals or with symphony orchestras, string quartets, or my band to sing the magical creations from Weimar, mostly with Berthold Brecht, as much as the unknown and known song books of the French and American periods. For more than 40 years, the journey of this simple and brilliant composer who died in America of a broken heart has inspired my life.

 

What do you think these songs can tell us about the word we live in today?
Now, the world is once again in the chaos of more cold and hot wars. The compositions, especially the ones with Berthold Brecht as the lyricist are written almost 100 years ago now, yet still breath-taking and completely unique. There is nothing like it. Rock, Pop, Cabaret and Classical artists have been inspired by his works since the nineties. The biting words meet the melancholic melody and the harmonic context evokes in a quirky way colours of Jazz, Ragtime, Schoenberg and Stravinsky. There is theatre in all the stories and political, satirical commentary about morality and a corrupt society. Exotic characters tell us about their survival, risen from the ashes of racism, disadvantage, and neglect. It all sounds oh so contemporary.

I love to sing these ballads of the truth even more 40 years later, after living through the mills of life and witnessing that history wanted to be a good teacher but it could not find any students.

When you sing these songs in English, many of which were written in German originally, what
changes for you (and how is it different for the audience?)?
At this point It feels equally strong to me in German or English. At first many years ago it felt that the English translations had lost the bite, but I am long over this impression. Of course, the sound and attack of the German language seem more expressionistic.

What do you enjoy most about performing with an 8-piece band, as you will on 5 March?
I am looking very much forward to join Robert Ziegler again, after we first recorded together almost
30 years ago. He always brings together a fantastic musical ensemble, and it will be an adventurous
and powerful experience.

See Ute on stage at Cambridge Corn Exchange on 5 March

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Please take note that all of the remaining dates in September and October 2025 (Vienna, Chiasso, Muehlheim, Berlin and Venice) have been postponed or rescheduled. Some rescheduled dates have been announced and some are still TBD. Chiasso is now on 18 April and Muehlheim on 19 December.

The reason for the postponement, is that Ute has undergone hip-replacement surgery, and we wish her well for a full and speedy recovery. Here is a message from Ute about the surgery…

If any further dates are impacted it will be announced, but as of now, only September and October are affected.

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Publication: JazzMania
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Date: 11 Juin 2025


Ute Lemper © D.R. Homepage

Kurt Weill réimaginé sur des arrangements de David Chesky : une autre façon de parler de Kurt Weill et de sa musique. Entretien avec la chanteuse / actrice allemande.

De quand date votre premier projet autour de la musique de Kurt Weil ?
Ute Lemeper : C’était avant de m’installer à Paris. J’étais à Berlin, Berlin-Ouest, et j’ai enregistré mon premier album de Kurt Weill. J’avais 20-22 ans. Et finalement, pour une raison magnifique, mon petit album de Kurt Weill, que j’avais enregistré sans prétention à Berlin, est arrivé sur le bureau du PDG d’Universal Music, Decca, à Londres qui a relancé un projet d’envergure intitulé « La Musique Dégénérée », un titre que les nazis avaient donné à la musique de Weimar composée par des artistes juifs. C’était donc un projet extrêmement important qui a suscité un vif intérêt dans le monde entier. Et finalement, grâce à cet album, une véritable vague de renouveau musical et artistique de Weimar a commencé. Entre 1986 et le millénaire 2000, j’ai enregistré « Les Sept Péchés Capitaux », L’Opéra de Quat’Sous, « Mahagonni Songspiel » », « Kurt Weill Vol. 1 », « Ute Lemper sings les Berlin Cabaret Songs… »

Des enregistrements dans un style traditionnel.
U.L. : Il y a eu toute une série d’enregistrements, tous dans des styles très traditionnels. Les arrangements traditionnels de Kurt Weill, bien sûr, des années 1920. Et cela inclut non seulement le répertoire berlinois qu’il a créé avec Brecht, mais aussi l’exil parisien, comme « Marie Galante », les pièces qu’il a composées à Paris, ou les chants pour les missions, et bien sûr aussi le répertoire américain. À cette époque, je suis soudain devenue un messager, un ambassadeur de la musique de Weimar. Et c’était une grande responsabilité pour moi. J’étais jeune, je n’avais pas seulement une responsabilité musicale, mais surtout une responsabilité de parler du passé allemand, de parler de Weimar, de parler, bien sûr, de tous ces crimes, des nazis, de l’Holocauste, et tout le reste. Ma mission a véritablement débuté cette année-là, en 1985, en tant qu’Allemand d’une autre génération, qui, avec toute sa profondeur et son sens des responsabilités, a tenté de répondre aux questions, avec une rage au cœur, une rage immense, envers les générations de mes parents et grands-parents. J’étais un artiste devenu, d’une certaine manière, un homme politique à cette époque, pour regarder la réalité du passé en face. Tout a donc commencé il y a si longtemps. Au final, à cette époque, il était indispensable de rester très fidèle à la version originale, car la Fondation Kurt Weill, créée par Lotte Lange ici à New York, était très attentive. Ils contrôlaient tous les documents, nous ne pouvions pas nous écarter des versions originales. Finalement, 40 ans plus tard, cette année marque le 125e anniversaire de Kurt Weill, et maintenant, c’est tombé dans le domaine public, comme on dit, et je voulais faire quelque chose de différent.

«C’est une autre approche : quelque chose qui ne ressemble pas à un vieux cabaret d’un autre siècle.»

Ce que vous faites avec cet album au sous-titre éclairant « Kurt Weil Reimagined ».
U.L. : Une autre approche de la musique de Weill, un autre style, un peu plus contemporain, quelque chose qui ne ressemble pas à un vieux cabaret d’un autre siècle, mais qui peut très bien passer à la radio, qui peut toucher une jeune génération. Oui, et le fait de changer complètement de style musical, c’est évidemment pour attirer un jeune public, mais c’est aussi pour attirer son attention sur l’époque de Weill dans les années 1930, et faire le parallèle avec ce qui se passe aujourd’hui.

Vous aviez en tête de transmettre cela aux jeunes d’aujourd’hui, avec leur musique ?
U.L. : Absolument, car si vous imaginez cette musique, elle remonte à 100 ans. La République de Weimar, c’était il y a exactement 100 ans. Et maintenant, et pas seulement sur le plan politique, nous nous trouvons à nouveau dans un état d’insécurité, d’instabilité et d’inflation. Un président qui use de mécanismes fascistes. L’art est censuré et que dire du droit des femmes : la question du genre a été soulevée par Marlene Dietrich il y a 100 ans. Mais 100 ans plus tard, nous avons un président qui veut renverser les libertés pour lesquelles les femmes et les êtres humains se sont battus et ont gagné. Et ce n’est pas tout : si on écoute bien la musique, l’arrangement est évidemment beaucoup plus contemporain et permet d’accéder à une nouvelle génération, la jeune génération. Mais à l’écoute, cette fusion entre texte et musique, entre Brecht et Weill, est extraordinaire et unique. Et on ne trouve pas de musique comme celle-là aujourd’hui.

Comment avez-vous procédé pour obtenir ce style musical, si différent de ce que vous avez fait jusqu’à présent ? Avec qui avez-vous collaboré pour parvenir à ce résultat ?
U.L. : Ce collaborateur est essentiel. Il s’appelle David Chesky. Il vit dans le quartier de Manhattan à New York. Il est également musicien et compositeur. Mon mari et moi le connaissons depuis 35 ou 40 ans. Il a une vision très intéressante. C’est lui qui a vraiment tout organisé. Le début de cette aventure repose vraiment sur sa conception. Bien sûr, j’ai fait toutes les voix, l’interprétation et aussi l’évolution dramatique de la chanson à travers l’arrangement. Mais David a essayé de créer un univers polyphonique, car ses compositions existent toujours depuis la période allemande. La musique a connu une telle évolution, une véritable révolution à cette époque, dans les années 1920. Après Schoenberg et Alban Berg, le mouvement musical était encore assez complexe. Mais David a essayé de prendre les compositions et de les inscrire dans un univers polyphonique, afin que ces harmonies, si liées et complexes, puissent y vivre. Nous avons utilisé des boucles, de la programmation, bien sûr, beaucoup de choses sont programmées. Tout ce que nous faisons est fait comme de la musique contemporaine, avec une logique, sur ordinateur. Et nous avons utilisé tous les outils contemporains. Et on imagine très bien que cette musique est jouée dans un festival électro, par exemple.

Vous y verriez votre musique ?
U.L. : Peut-être pas devant 60 000 personnes, mais j’y verrais cette musique, oui.

«Quand je chante cette musique, je produis un acte humain.»

Mais sur scène, comment ça se passe ?
U.L. : Ce n’est pas possible, je ne fais pas ça comme ça. En ce moment, pour fêter son anniversaire, je fais l’inverse. Je le fais uniquement avec un piano, en m’attachant entièrement à l’âme humaine. Il est impossible de recréer cela car, pour le disque, c’est une production. Et sur scène, je fais l’inverse, ce que j’aime beaucoup. Je veux faire quelque chose de très, très simple. Quand je chante cette musique, c’est un acte humain. Oui, je disais, il faut briser le côté dramatique de la musique. L’enregistrement, je pense que le disque fonctionne très bien parce qu’il y a une coexistence. On s’immerge, on est entouré de tous ces sons. Il y a un univers. La droite, la gauche, les voix, c’est assez fou dans l’imaginaire. Mais sur scène, il faut avoir l’aspect humain. Oui, le disque crée une atmosphère imaginaire assez importante, je pense, à travers la musique.


Ute Lemper © Jim Rackete

Si vous deviez choisir une chanson de l’album dont l’enregistrement vous a laissé une trace profonde, laquelle choisiriez-vous ?
U.L. : Je ne l’ai peut-être pas souvent chantée, mais elle m’est revenue en mémoire. « Die Ballade vom ertrunkenen Mädchen », la ballade de la fille noyée. Voici l’histoire de Rosa Luxembourg, une figure historique majeure. Au début de la République de Weimar, elle fonda le Groupe de Novembre, un groupe politique réunissant tous les artistes qui se réunissaient à Berlin pour créer des œuvres extraordinaires et novatrices, rompant avec les traditions. Elle était à la tête de ce groupe. Elle a été assassinée par une brigade de l’armée. Elle a été jetée dans le canal de Berlin. Brecht a écrit une chanson, une chanson très politique, à l’époque, en 1927, sur ce meurtre. « La ballade de la fille noyée », j’adore cette œuvre. Elle est très abstraite et incroyablement imaginative. Et puis une autre, « Le Grand Lustrucru », est une chanson de « Marie Galante », écrite en exil en France. Et je trouve cette chanson aussi très jolie, parce qu’elle fait peur. C’est une époque qu’ils ne connaissaient pas encore, la mort, les collaborateurs… Où va-t-il aller ? Va-t-il arriver à New York ? Que va-t-il se passer ? Cette peur qu’il a trouvée au fond de lui. Je suis très satisfaite de cette interprétation.

Quand vous êtes sur scène, donnez-vous le contexte des pièces que vous allez interpréter ?
U.L. : Oui, bien sûr. Je raconte l’histoire de sa vie. C’est très important et très intéressant. Je raconte sa vie jusqu’à son exil à Paris, et ses années perdues à Paris, où il créa sa dernière œuvre avec Bertolt Brecht, « Les Sept Péchés Capitaux », un ballet chorégraphié par Balanchine. C’était sur les Champs-Élysées à Paris. Les décors étaient signés Jean Cocteau. C’était incroyablement progressiste pour l’époque. Ce ballet, une satire de l’Amérique, du système capitaliste, comme le disait Brecht. C’est toujours mon œuvre préférée. Je viens de la travailler sur une chorégraphie de Pina Bausch, la chorégraphe allemande. On a réalisé dix représentations de cette œuvre. J’espère qu’on viendra à Paris l’année prochaine avec « Les Sept Péchés Capitaux ». Je dis toujours qu’il est mort le cœur brisé. Je pense qu’il n’a jamais vraiment réussi à trouver la paix intérieure. Il a subi tant de dénonciations et d’humiliations de la part des nazis. Il lui a fallu recréer un style complètement différent. À Berlin, il a composé une œuvre complète, avec des mouvements orchestraux et symphoniques totalement novateurs. Il a dû tout oublier pour refaire carrière aux États-Unis. Il a dû s’adapter au marché américain, sur les traces de George Gershwin. C’était un compositeur fantastique. C’est comme s’il s’était trahi lui-même en même temps. Les Américains ne voulaient pas de cette musique contemporaine venue d’Europe. Ce n’était pas facile. Il détestait parler allemand par la suite.

«Le gens ici ne connaissent pas vraiment les paroles de Brecht pour «Mack the Knife» ; elles sont absolument cruelles.»

Vous êtes allemande, donc, historiquement et dans votre âme, très proche de cette musique, de cette histoire, de cette expérience. Que pensez-vous des adaptations du jazz, beaucoup plus volatiles, beaucoup plus rythmiques, où le rythme prime sur l’histoire racontée dans les chansons ?
U.L. : Oui, ce sont des versions bâtardes, dis-je. Ce sont des versions qui simplifient et capitalisent sur des mélodies fantastiques. Mais elles sont rares. C’est bien sûr « Mack the Knife », devenu un standard du jazz américain grâce à de grands chanteurs comme Ella Fitzgerald et Louis Armstrong. C’est bien, tout à fait bien. Mais les gens ici ne connaissent pas vraiment les vraies paroles de Brecht, de cette version de « Mack the Knife », car les paroles de Brecht sont absolument cruelles et décrivent meurtres, vols, cambriolages, viols et tout le reste. Le vrai texte est une satire incroyablement brutale, mais les Américains ne le savent pas, car ils pensent que c’est un standard de jazz. Et je crois qu’à un moment donné, Louis Armstrong a oublié le texte, alors il en a inventé un autre, sur le tas. Et voilà, ce texte que Louis Armstrong et Ella ont inventé, devient comme un standard de jazz amusant.


Ute Lemper © Jim Rackete

Allez-vous tourner en Europe avec ce projet ?
U.L. : Je ne sais pas encore, mais je suis à Paris avec mon autre spectacle. Je viens de monter à Paris, avec l’Orchestre de Chambre de Paris, un projet symphonique extraordinaire appelé « La Suite de Weimar », un recueil de chansons de Weimar, le cabaret satirique. En décembre, je serai au Théâtre de la Concorde, l’ancien Espace Cardin, et je présenterai mon spectacle « Rendez-vous avec Marlène ». J’ai eu une liaison avec Marlène Dietrich en 1987. J’étais à Paris, j’étais la célibataire du Théâtre Mogador. Marlène Dietrich était encore en vie, elle habitait avenue Montaigne. Nous avons discuté, les deux expatriées allemandes, pendant trois heures au téléphone. Trente ans plus tard, j’ai créé un spectacle. Aujourd’hui, je joue Marlène, celle qui me parlait quand j’étais jeune. C’est un spectacle très profond, et très tragique à la fois, car elle était complètement seule dans cet appartement. Elle n’en est finalement pas sortie pendant plus de 25 ans. Mais c’est aussi un spectacle de divertissement, drôle. Elle raconte tous ses amours et ses aventures. Mais le plus tragique, bien sûr, c’est que Marlène n’a pas pu retourner en Allemagne parce qu’elle était soldate américaine pendant la Seconde Guerre mondiale. Elle a combattu aux côtés des Américains contre l’Allemagne nazie. Les Allemands ne lui ont jamais pardonné. Ils l’ont traitée de traître à la patrie jusqu’à la fin. Jusqu’en 1992, date à laquelle elle est décédée dans son appartement parisien. Je trouve cette histoire incroyable, très forte.

Ute Lemper
Pirate Jenny
The audiophile society

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Publication: UK Jazz News
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Date: 9 June 2025

Ute Lemper at Cadogan Hall

‘Ute Lemper Sings Kurt Weill’- Friday 13 June 2025

Ute Lemper. Photo credit Jim Rakete
Ute Lemper. Photo credit Jim Rakete

Ute Lemper brings her “extraordinarily fresh take on familiar songs” by Kurt Weill to London this Friday…

Have you ever heard ‘Mack the Knife’? Well, of course you have. The swing classic, written in 1928 by Kurt Weill and Bertolt Brecht, has been covered by an astonishingly wide range of artists, including Michael Bublé, Nick Cave, Bobby Darin, the Doors, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Robbie Williams and Sting.

However, you have certainly never heard anything remotely like Ute Lemper’s latest version of the ballad of old gangster Macheath, which opens her new album, ‘Pirate Jenny: Kurt Weill Reimagined’. The album was released in March this year to mark the 125th birthday of the innovative German born, Jewish composer, excoriated and forced to flee by the Nazis, who became the toast of Broadway and Hollywood, before his untimely death after a heart attack at the age of just fifty years old.

The bold, and darkly evocative, beat-driven album was produced by Grammy-nominated David Chesky, long feted for his imaginative reissues, re-recordings and re-imaginings, and is released on Chesky’s own The Audiophile Society label.

Lemper, a forthright and enduring champion of Weill’s music, performs at London’s Cadogan Hall on Friday 13 June. Accompanied only by pianist Vana Gierig, the German-born chanteuse will bring her unique approach and peerless vocals to a selection of Weill’s music, ranging from the Berlin Weimar epoch classics, through those of his troubled French exile, to his timeless additions to the great American Song Book.

‘Pirate Jenny’, already lauded for its sultry, atmospheric noir groove and hypnotic beats, was co-produced by Lemper and Chesky and was inspired by an off the cuff, late night conversation between the two musician friends, in a New York city cab, heading home after a gig. Their intent was to do something radical with Weill, rethinking the cabaret classics for a younger generation, likely to be more familiar with the electronic vernacular of much of today’s music.

This is not the first time that Lemper has undertaken a similarly innovative project. Her 2000 collaboration with Neil Hannon of the Divine Comedy, entitled ‘Punishing Kiss’, featured songs written especially for her by contemporary artists, including Nick Cave, Elvis Costello, Philip Glass and Tom Waits. The resulting album, recorded in London, has a distinctly contemporary edge and also succeeded in attracting a new, younger generation of listeners.

On ‘Pirate Jenny’, the result is an extraordinarily fresh take on familiar songs, including ‘Surabaya Johnny’ and ‘Salomon Song’, some of which were written almost 100 years ago. The album’s polyphonic vibe of rejigged and smoothened harmonies offers a nuanced, relaxing, interpretation of many of the often baleful narratives of the originals and, frequently, as on ‘Speak Low’ or in the Ira Gershwin-penned ‘My Ship’, revels in the distinctly Bossa Nova and Latin-influenced rhythms and syncopations for which Chesky, who grew up in Miami, is well known.

Lemper’s devotion to Weill, and to his music, which she first encountered, as a young dance and performance student in mid-1980s West Berlin, is undimmed. Her eyes shine as she recalls how she learned more of, and immersed herself in, the tragic, complex history of the Weimar period. “How could I not be aware of such history, in that brutally divided city, where the Cold War was still raging?”

Yet Lemper herself still professes surprise at the huge international success of her 1988 recording for Decca: ‘Ute Lemper sings Kurt Weill’. The album stayed at the top of Billboard’s crossover charts for over a year and is widely credited with emphatically bringing Weill’s music to a new, far broader, global audience.

“I will never forget, being here in London, around that time, and seeing the entire façade of Tower Records’ huge store in Piccadilly Circus plastered with my own face”. The record had a very distinctive monochrome sleeve, with green art deco detail, featuring a stylized black and white portrait of Lemper. The project, however, had a rather more mixed reception back in Germany.

“It was still too early,” posits Lemper. “Nobody in Germany was ready to look back and examine the period which led directly to the [Second World] War.” Time, though, has been a significant healer and, while the singer acknowledges that she has lived her own, very personal and complicated history with her native Germany, she now actually feels a peace and a calm whenever she returns there from New York’s Upper West Side, which she has called home since 1998.

“[Germany] has grown in my heart and the country now has a fixed place on the map of my preferences, in the mosaic of my own identity, but above all, in my trust,” she writes in her 2023 memoir: “Die Zeitreisende: Zwischen Gestern und Morgen” (Time Traveller. Between Yesterday and Tomorrow) published by Graff und Unzer, which swiftly became a Spiegel bestseller in Germany.

Lemper proves to be an acute and perspicacious historian, as well as a lyrical and moving writer, notably when she recalls her childhood, growing up in a devout Catholic household in the relative affluence of Münster in the West. She deftly conjures the tedium of church on a Sunday, with the suffocating whiff of incense and mothballs. Later, a family trip beyond the Wall, to the drab, grey streets of East Berlin with lengthy queues, peopled by the dejected and the downtrodden, on every corner, gave young Ute another stark lesson in 20th century history.

The polyglot Lemper, who has translated works by Brazilian Paulo Coelho and Chilean poet, Pablo Neruda, into songs and who also speaks French and Italian, is equally poetic when recounting her own experience of the panic and strange aftermath of the 9/11 attacks in her newly adopted city. Her meditations on the abnormality and the solitude of the pandemic lockdown, cocooned with family in their isolated upstate New York retreat, are similarly both wise and penetrating.

After Cadogan Hall, Lemper is taking the Weill programme back to cabaret club, 54 Below, clearly one of the singer’s treasured, more intimate, venues, located for a dozen years in the basement of New York’s iconic Studio 54.

An exhaustive schedule of dates continues through the year, including performances of her theatrical and deeply personal, ‘Rendezvous with Marlene’, inspired by a long, and long ago, telephone call with her fellow German diva. Lemper is visibly moved as she describes performing her homage to Dietrich in Berlin’s Deutsches Theater, 33 years to the day after her funeral, when a planned tribute in the theatre was cancelled amid fears of protest by right wing radicals.

In April, Lemper also starred in Tanztheater Wuppertal’s revival of Pina Bausch’s mesmerizing production of ‘The Seven Deadly Sins’, which premiered in 1976. It is a two-part programme featuring first the ‘Ballet Chanté’ itself, followed by collage of Brecht and Weill’s most celebrated songs. It remains a milestone in the work of the late choreographer, Bausch, a fellow German icon. Lemper also mentioned plans, so far sadly unconfirmed, to bring the work, one of her personal favourites, to London’s Sadler’s Wells.

Ute Lemper Sings Kurt Weill at Cadogan Hall – Friday 13 June 2025, 7.30pm

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